Картина по номерам история

История создания картин по номерам

Картины по номерам — это набор с доской, на которой светло-синие или серые линии обозначают области для рисования, и каждая область имеет номер и соответствующую нумерованную краску для использования. Наборы были изобретены, разработаны и проданы в 1950 году Максом Клейном, инженером и владельцем компании Palmer Paint в Детройте, штат Мичиган, а также коммерческим художником Дэном Роббинсом.

В 1951 году Palmer Paint представила бренд Craft Master, который продал более 12 миллионов комплектов. Такая общественная реакция побудила другие компании выпускать собственные версии картин по номеру. Реклама мастерских Craft Master провозгласила лозунг: «КРАСИВЕЙШАЯ МАСЛЯНАЯ ЖИВОПИСЬ С ПЕРВОЙ ПОПЫТКИ».


После смерти создавшего картины по номерам Макса Клейна в 1993 году, его дочь Жаклин Шифман пожертвовала архивы Palmer Paint Co. в Смитсоновский музей американской истории. Архивные материалы были помещены в Архивный центр музея, где они были обозначены коллекцией № 544 — «Коллекция картин по номеру» и доступны как общественному, так и музейному персоналу для исследовательских и выставочных целей. Артефакты, с которыми работал изобретатель и главный мерчендайзер этих предметов являются частью коллекции.


В 1992 году Майкл О’Донахью и Трей Спигел организовали и собрали шоу из коллекции картин по номерам в Нью-Йорке в галерее Бриджуотер / Лустберг. После смерти О’Донохью в 1994 году Национальный музей американской истории Смитсоновского института показал множество ключевых произведений из коллекции. С тех пор старинные наборы и картины пережили возрождение и стали востребованными. В 2008 году частный коллекционер в штате Массачусетс собрал более 6000 подобных работ, относящихся к 1950-м годам. Он приобретал их у других американских коллекционеров, сформировав крупнейший в мире архив по количеству работ.


В 2011 году Музей современного искусства в Нью-Йорке принял четыре ранних картины Максима Кляйна для своего Департамента архитектуры и дизайна, подаренные Жаклин Шиффман.

«Каждому Времени – Свое Искусство, Каждому Искусству – Своя Свобода»
Йозеф Мария Ольбрих

Считается, что рисование по номерам было придумано, разработано и впервые представлено на рынке в 1950 году инженером и владельцем компании the Palmer Paint Company (США, г. Детройт, штат Мичиган) Максом Клейном, и нанятым им художником Дэном Роббинсом.

Изначально работая в компании the Palmer Paint Company, Дэн придумал и разработал 36 картин используя технику которую он назвал «The Craft Master System» (Система Мастерского Искусства). Эти картины имели ошеломительный успех у покупателей. В начале 50-х начался настоящий бум на это творчество и компания the Palmer Paintпроизводила около 12 миллионов наборов в год, что бы удовлетворять спрос рынка.

Критики и профессиональные художники отрицательно отзывались о данных картинах, говоря, что этим увлечением не создать ничего стоящего, что можно было бы повесить на стену. Однако от фанатов в компанию приходили такие сообщения: «Мой дом стал грязный и неубранный, а я день и ночь все сижу и рисую эти картины. Я потратила все сбережения мужа. А Вы могли бы выслать мне еще что-нибудь новенькое для раскрашивания?»

Впоследствии появилось еще около 30 компаний занимающихся выпуском наборов для раскрашивания, однако в конце 50-х годов ажиотаж на картины-раскраски также внезапно упал, как и появился. Многие компании распадались или перепродавались. А выпущенные за это время наборы оседали в личных домашних коллекциях, были брошены на чердаках или выброшены на свалку.

В 1980 годах энтузиасты называвшие себя «PBN collectors» (коллекционеры Картин по Номерам), искали, скупали когда-то популярные картины 50-х годов и устраивали выставки в разных городах Америки. Эти картины выступали уже не просто в качестве увлечения былой эпохи, а как социальный символ, как артефакты в новом направлении искусства. Дэн Роббинсон написал книгу в ироничном и юмористическом стиле под названием «Whatever Happened To Paint By Numbers?» (что случилось с рисование по номерам) в которой он описал жизнь до и после создания этого направления.

Так, первые картины для раскрашивания, созданные Дэном Роббинсом стали иконой и символом для целого жанра художественного творчества, которое и в наше время продолжает увлекать все новых и новых любителей.

А может и Вы большой поклонник этого хобби? Тогда присоединяйтесь!

Увлекательные истории создания знаменитых картин

Произведения искусства, которые знают все, часто хранят в себе неизвестные увлекательные истории.

Казимир Малевич был шестым художником, кто нарисовал черный квадрат, Шишкин написал свое «Утро в сосновом лесу» в соавторстве, у Дали была серьезная психосексуальная травма, а Пабло Пикассо выжил после смелого ответа гестаповцам. Мы любуемся красотой величайших полотен, но истории, которые случились до, во время или после написания шедевров, часто остаются за пределами нашего внимания. И совершенно зря. Иногда такие истории позволяют лучше понять художника или просто удивиться причудливости жизни и творчества.
AdMe.ru собрал в этом материале самые интересные и неизвестные широкой общественности истории о великих картинах.

«Черный Квадрат», Казимир Малевич


«Черный квадрат» Малевича — одно из самых известных и обсуждаемых произведений искусства — не такое уж и новаторство.
Художники экспериментировали с черным цветом «сплошь», начиная аж с XVII века. Первым наглухо черное произведение искусства под название «Великая тьма» написал Роберт Фладд в 1617 году, за ним в 1843 году последовали Берталь и его работа «Вид на La Hougue (под покровом ночи)». Спустя более чем двести лет. А дальше уже практически без перерывов — «Сумеречная история России»Гюстава Доре в 1854, «Ночная драка негров в подвале» Пола Билхолда в 1882, совсем уж плагиат»Битва негров в пещере глубокой ночью» за авторством Альфонса Алле. И только в 1915 году Казимир Малевич представил публике свой «Черный супрематический квадрат», именно так картина называется полностью. И именно его картина известна всем, тогда как прочие знакомы только историкам искусств.
Сам Малевич нарисовал как минимум четыре версии своего «Черного супрематического квадрата», различающиеся рисунком, фактурой и цветом в надежде найти абсолютное «безвесие» и полет форм.

«Крик», Эдвард Мунк


Как и в случае с «Черным квадратом» в мире существует четыре версии «Крика». Два варианта написаны маслом и два — пастелью.
Существует мнение, что Мунк, страдавший маниакально-депрессивным психозом, писал ее несколько раз в попытках выместить все те страдания, которые охватывали его душу. И не исключено, что странных орущих от невыносимых мук человечков было бы больше, если бы художник не лег в клинику. После курса лечения он больше никогда не пытался воспроизвести свой «Крик», ставший культовым.

«Герника», Пабло Пикассо


Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею.
Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя.
»Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. И самый интересный момент в связи с этой картиной произошел в 1940 году, когда Пикассо вызвали в гестапо в Париже. «Это сделали вы?», спросили у него фашисты. «Нет, это сделали вы».

«Великий мастурбатор», Сальвадор Дали


В картине со странным и наглым даже для нашего времени названием на самом деле нет никакого вызова обществу. Художник фактически изобразил свое подсознание, исповедался перед зрителем.
На полотне изображена его супруга Гала, которую он страстно любил; саранча, которую он панически боялся; фрагмент мужчины с порезанными коленями, муравьи и прочие символы страсти, страха и отвращения.
Истоки этой картины (но в первую очередь истоки его странного отвращения и одновременно тяги к сексу) лежат в том, что в детстве Сальвадор Дали просмотрел книгу о венерических болезнях, случайно оставленную его отцом.

«Иван Грозный и сын его Иван 16 ноября 1581 года», Илья Репин


Историческое полотно, повествующее зрителю о драматическом моменте в истории нашей страны, в действительности было вдохновлено не столько фактом убийства сына и наследника царем Иоанном Васильевичем, сколько убийством Александра II террористами-революционерами, и — самое неожиданное — корридой в Испании. Художник писал об увиденном: «Несчастья, живая смерть, убийства и кровь составляют влекущую к себе силу… И я, заразившись, вероятно, этой кровавостью, по приезде домой, сейчас же принялся за кровавую сцену».

«Утро в сосновом лесу», Иван Шишкин


Шедевр, знакомый каждому советскому ребенку по умопомрачительно вкусным и дефицитным конфетам, принадлежит перу не только Шишкина. Многие художники, дружившие между собой, частенько прибегали к «помощи друга», а Иван Иванович, всю жизнь рисовавший пейзажи, опасался, что трогательные медведи не получатся у него так, как нужно. Поэтому Шишкин обратился к знакомому художнику-анималисту Константину Савицкому.
Савицкий нарисовал едва ли не лучших мишек в истории российской живописи, а Третьяков повелел смыть его фамилию с холста, поскольку все в картине «начиная от замысла и кончая исполнением, все говорит о манере живописи, о творческом методе, свойственных именно Шишкину».

Мысли и позиции, опубликованные на сайте, являются собственностью авторов, и могут не совпадать с точкой зрения редакции BlogNews.am. print

Живопись

Жи́вопись — вид изобразительного искусства, связанный с передачей зрительных образов посредством нанесения красок на поверхность.

Существует пять видов живописи: станковая, монументальная, декоративная, театрально-декоративная, миниатюрная. К станковой живописи относят произведения, существующие независимо от места создания. В основном это картины, созданные на мольберте (то есть на станке) художника. В станковой живописи преобладают работы, выполненные масляными красками, но могут использоваться и другие красители (темпера, акриловые краски и т. д.). Картины пишутся в основном на холсте, натянутом на раму или наклеенном на картон. В прошлом широко применялись деревянные доски, могут использоваться любые плоские материалы.

Монументальная живопись выполняется непосредственно на стенах и потолках зданий и других сооружений. В прошлом преобладала живопись водными красками по сырой штукатурке (фреска). В Италии до начала XVI века по высохшей «чистой фреске» практиковалась прописка деталей темперой. Техника «чистой фрески» требует особого мастерства от художника, поэтому применялись и другие технологии, например, не такая устойчивая живопись по сухой штукатурке — секко, позднее росписи выполнялись малоподходящими для монументальной живописи масляными красками.

Цветные изображения на бумаге (акварель, гуашь, пастель и др.) формально, например, по месту в коллекции, относят к графике, но эти произведения часто рассматриваются и как живописные. Все другие способы цветного изображения относятся к графике, в том числе и изображения, созданные с помощью компьютерных технологий.

Наиболее распространены произведения живописи, выполненные на плоских или почти плоских поверхностях, таких как натянутый на подрамник холст, дерево, полотно, обработанные поверхности стен и т. д.

Существует также узкая трактовка термина живопись как работ, выполненных масляными красками на холсте, картоне, оргалите и других подобных материалах.

Этимология и семантика

Русское слово живопись указывает на реализм этого искусства в эпоху барокко, когда в России начали писать картины в западном стиле, преимущественно масляными красками. В иконописи употребляется глагол «писа́ть», так же как в греческом языке. В то же время «живописать» может быть понято как энергичная, своеобразная манера писать, то есть и как своего рода письменность.

В связи живописи с письменностью семиотики видят и определённую манеру создавать знаки.

История живописи развивается и блуждает именно в этих двух смыслах: в изобразительности, реалистичности и — знаковости: от иконы (образ) к абстракции.

Мона Лиза (Ritratto di Monna Lisa del Giocondo), Леонардо да Винчи

С точки зрения техники создания изображения живопись принципиально отличается от графики. В первом приближении живопись — это работа с жидкими материалами (красители, замешанные на различных связующих), а графика — использование сухих материалов (графита, угля, сангины, мела). Однако существует и более принципиальное различие.

Графика в чистом виде использует белизну (цвет) фона для создания тональных градаций. Чем гуще слой красящего вещества, тем темнее данный участок картины или рисунка. Работа над рисунком ведется в направлении постепенного насыщения тона, использование белил не допускается. Напротив, в живописи белила составляют основу изобразительной техники, краска накладывается корпусно, плотно перекрывая фон, цвет которого не имеет значения. Живописец работает слоями краски, многократно проходя одни и те же участки картины, высветляя или утемняя их. По этой классификации в разряд графики попадает не только карандаш, сангина и уголь, но и акварель. С другой стороны пастель и гуашь оказываются чисто живописными техниками.

Техники живописи

  • живопись маслом

Долгое время считалось, что история живописи маслом ведет свой отсчет с XV века, а её родоначальником был нидерландский художник Ян ван Эйк. Джорджо Вазари, автор «Жизнеописаний наиболее знаменитых живописцев, ваятелей и зодчих» назвал ван Эйка изобретателем масляной живописи, позднее это утверждение повторил Карел ван Мандер. Благодаря искусствоведу И. Мериме мнение о ван Эйке, как о первооткрывателе живописи маслом, распространилось в специальной литературе. Однако неизвестно ни одного свидетельства современников художника, что именно он был изобретателем нового метода. Художники и Северной, и Южной Европы работали масляными красками задолго до ван Эйка.

Масляная краска получается в результате соединения красящего пигмента с льняным маслом. В качестве разбавителя используется пинен, уайт-спирит и другие растворители масел. Для ускорения высыхания применяют разбавительные лаки (например, пихтовый). Красочный слой в зависимости от толщины может сохнуть от двух-трех дней до нескольких месяцев. При этом окончательная полимеризация молекул затягивается на десятки лет.

Масляная живопись требует использования специального грунта. Обычно он состоит из двух частей — нижних двух клеевых слоев (рыбий клей, желатин), предотвращающих проникновение масла в холст или дерево и последующее гниение и трех-пяти верхних слоев — для улучшения адгезии, то есть соединения краски с грунтом, в состав которых обычно входит клей, мел, глицерин. Для работы с масляной краской используют щетинные, колонковые и синтетические кисти, а также другие инструменты — мастихины, шпатели.

После высыхания масляной краски картина может быть покрыта покрывным лаком (например, фисташковым, акриловым). Это делается как для защиты красочного слоя, так и для равномерности отражающего блеска её поверхности.

  • темпера;
  • эмаль;
  • гуашь (поскольку в качестве основного материала художник использует бумагу, характерную для графических видов изобразительного искусства — классифицируется и как графика; об этом говорит и применение последней для создания монохромных произведений);
  • пастель (к этой технике справедливо замечание аналогичное тому, что высказано относительно предшествующей);
  • тушь (и в данном случае, как и в двух предыдущих — нельзя однозначно отнести к графике; на Востоке, например, каллиграфия, по большей части использующая этот материал, традиционно считается живописью, как, впрочем, и академическая китайская живопись использовала по преимуществу именно тушь — ахроматическая гамма);
  • живопись по штукатурке: фреска и а секко;
  • граттаж;
  • гризайль;
  • карнация;
  • лессировка;
  • пуантилизм;
  • сграффито;
  • сфумато;
  • клеевая живопись;
  • восковая живопись: энкаустика, восковая темпера и холодный способ (восковые краски на скипидаре);
  • живопись керамическими красками;
  • живопись силикатными красками;
  • акварельная живопись (техника акварели различна, некоторые приёмы ближе к живописи, некоторые — к графике; поэтому неслучайно в тезаурусе присутствует такой оборот: «рисовать акварелью»);
  • сухая кисть;
  • акрил;
  • смешанная техника.

Техники живописи практически неисчерпаемы. Всё, что оставляет какой-либо след на чём-то, строго говоря, является живописью: живопись создаётся природой, временем и человеком. Это уже отметил Леонардо да Винчи.

Традиционные техники живописи: энкаустика, темперная (с яйцом), настенная (известковая), клеевая и других типов. С XV века становится популярной живопись масляными красками; в XX веке появляются синтетические краски со связующим веществом из полимеров (акрилик, винилик и др.). Краски могут приготовляться из натуральных и искусственных пигментов.

гуашь, акварель, китайскую тушь и полурисовальную технику — пастель — также относят к живописи.

Живопись может быть исполнена на любой основе: на камне, штукатурке, на холсте, шёлке, на бумаге, на коже (в том числе на теле животного или человека — татуировки), на металле, на асфальте, бетоне, стекле, керамике и т. д., и т. п.

Задачи живописи как вида искусства

Живопись встречается и соседствует с пластическими искусствами, в том числе с архитектурой, скульптурой; она может участвовать в формировании искусственной и природной среды.

Живопись, как и другие изобразительные искусства, иллюзорна: она — это имитация трёхмерного пространства в плоскости, достигаемая посредством линейной и цветовой перспективы. Но её визуальный и к тому же цветовой аспект (глаз воспринимает в одно мгновение практически бесконечную информацию) обуславливает исключительное место живописи среди всех изобразительных искусств.

В то же время, развитие искусства, изобразительных методов и средств выразительности, давно вывело за пределы понимания основных своих задач — «воспроизведение реальности». Ещё Плотин говорил: «Не копировать природу, а учиться у неё»; и этим принципом руководствуются многие художники на протяжении многих веков. Поэтому задачи живописи подразумевают не только такую организацию пространства на плоскости, которая руководствуется и ограничивается воссозданием на ней трёхмерной среды, мало того, отдельные методы уже давно воспринимаются как «тупиковые» на пути развития искусства (в контексте понимания и переосмысления адекватности восприятия). Плоскость, как и цвет, имеет самостоятельную целостность и ценность, вместе они диктуют свои условия в синтезе форм и на плоскости как таковой, — и во взаимодействии с трёхмерно-временны́м пространством. Художник уже не может удовлетвориться набором иллюзорных приёмов («иллюзионизмом»), он следует потребностям нового понимания красоты, отказавшись от неактуальных методов самовыражения и воздействия на зрителя, ищет новых же форм таковых, диалектически возвращается к лучшему из отвергнутого, и таким образом приходит к пониманию и реализации новых же ценностей. Такое понимание методов и технических, выразительных задач искусства культивировали в числе других теоретиков и мастеров В. А. Фаворский и о. Павел Флоренский, а впоследствии — самостоятельно развивал сам В. А. Фаворский. Разумеется, это не единственный «верный» путь развития современного искусства и живописи, тем не менее, многие положения такого ви́дения весьма убедительны и продуктивны.

Относительно ошибочности строгого исключения живописи из пластических искусств даже теория «ортодоксального» искусствоведения также уже давно сделала переоценку. Вот что сказано не в каком-нибудь замысловатом концептуальном исследовании, а в «Популярной художественной энциклопедии»: «Искусства пластические делятся, в свою очередь, на изобразительные и неизобразительные. К первым относятся живопись, скульптура, графика, монументальное искусство… К неизобразительным — относятся архитектура, декоративно-прикладное искусство и художественное конструирование… Границы между изобразительными и неизобразительными искусствами не абсолютны…»

«Функции» живописи

Как и другие виды искусства, живопись может выполнять познавательную, эстетическую, религиозную, идеологическую, философскую, социально-воспитательную или документальную функции.

Однако основное и первостепенное выразительное и содержательное значение в живописи имеет цвет, который сам по себе является носителем идеи (в том числе и в силу психологических факторов воздействия и восприятия). Это весьма убедительно разъясняет и показывает, например, теория И. Иттена. Неслучайно существует такое понятие как «литературность», когда живопись, по той или иной причине, не обладая достаточными пластическими и выразительными качествами, привлекает в свой арсенал чисто повествовательную, «литературную» составляющую.

Тем не менее, эволюционируя вместе с человеком и со всем миром, живопись приобрела и новое истолкование, и новое понимание задач. Так, изначально обладая явными признаками самостоятельных пластических характеристик (неслучайно одним из основных параметров, отделяющих живописную технику от графических, является мазок, предоставляющий большой диапазон именно пластических возможностей — в наибольшей степени, конечно, самому распространённому виду — масляной живописи, но и, конечно же, — многим новым её видам и техникам, подразумевающим синтез форм). Представление о путях и задачах живописи, как и все средства, и способы самовыражения, искусствознание и творческая среда — испытали на себе явное влияние развития общего познавательного процесса, но закономерно и сами они повлияли на него, коснувшись многих сторон мировоззрения и деятельности человека.

Переосмысление функций живописи, как, впрочем, и всего творчества, прошло через отрицание целесообразности её как таковой («Только осознав, что это совершенно бессмысленно, можно начать творить» — говорит Р.-М. Рильке); — через осознание того, что «это глубинный иррациональный процесс» — в таком мнении сходятся не только тот же Р.-М. Рильке и правильно воспринятый, хорошо понятый им П. Клее, но и многие художники и философы; причём подготовило новое понимание искусства и его задач само их развитие: невозможно было уместить всю полноту быстротечной жизни, технических и технологических, наконец — общественных и нравственных преобразований — в прокрустово ложе идеологических и академических догм и штампов, жречески изолирующих искусство от самого развития жизни, сводящих именно к «хорошо понятным и давно известным» функциям сам этот глубинный творческий процесс.

Особняком стоит живопись, создаваемая людьми, в разной степени неадекватно воспринимающими окружающую действительность, в произведениях которых не наблюдается попыток сблизиться с реалистическим её отображением. В ряде случаев такие полотна создаются лицами с отклонениями психики от общепринятой нормы и, даже, пациентами медицинских учреждений.

Жанры живописи

Портрет

Основная статья: Портрет См. также: История портрета, Портрет Средневековья, Портрет Проторенессанса, Портрет итальянского Ренессанса и Русский портрет

Портрет — изображение человека либо группы людей, существующих или существовавших в реальной действительности.»На портрете изображается внешний облик (а через него и внутренний мир) конкретного, реального, существовавшего в прошлом или существующего в настоящем человека».

Границы жанра портрета очень подвижны, и часто собственно портрет может сочетаться в одном произведении с элементами других жанров .

  • Исторический портрет — изображает какого-либо деятеля прошлого и создаваемый по воспоминаниям или воображению мастера.
  • Посмертный (ретроспективный) портрет — сделан после смерти изображённых людей по их прижизненным изображениям или даже полностью сочинённый.
  • Портрет-картина — портретируемый представлен в смысловой и сюжетной взаимосвязи с окружающими его миром вещей, природой, архитектурными мотивами и другими людьми.
    • Портрет-прогулка — изображение гуляющего человека на фоне природы возникло в Англии в XVIII веке и стало популярным в эпоху сентиментализма
  • Портрет-тип — собирательный образ, структурно близкий портрету.
  • Костюмированный портрет — человек представлен в виде аллегорического, мифологического, исторического, театрального или литературного персонажа.
  • Автопортрет — принято выделять в отдельный поджанр.
  • Религиозный портрет (донаторский или ктиторский) — древняя форма портрета, когда человек, сделавший пожертвование, изображался на картине (например, рядом с Мадонной) или на одной из створок алтаря (часто коленопреклонённым).

По характеру изображения:

  • Парадный портрет — как правило, предполагает показ человека в полный рост.
    • Полупарадный — обладает той же концепцией, что и парадный портрет, но имеет обычно поясной или поколенный срез и достаточно развитые аксессуары.
  • Камерный портрет — используется поясное, погрудное, оплечное изображение. Фигура зачастую даётся на нейтральном фоне.
    • Интимный портрет — является редкой разновидностью камерного с нейтральным фоном. Выражает доверительные отношения между художником и портретируемой особой.
    • Малоформатный и миниатюрный портреты, выполненные акварелью и тушью.
  • Василий Перов. Портрет Достоевского, 1872

  • Уильям Хогарт, Портрет Вудса Роджерса и его семьи

  • Эдгар Дега, Портрет гувернантки с ребёнком

  • Сезанн, Автопортрет

  • Натаниэль Зихель, 1900

Пейзаж

Основная статья: Пейзаж

Пейза́ж — жанр живописи, в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа. Существовал с древности, но утратил своё значение в Средневековье и вновь появился в эпоху Ренессанса, постепенно став одним из важнейших живописных жанров.

  • Жан-Франсуа Милле, Весна

  • Константин Крыжицкий Дорога, 1899

  • Фредерик де Мушерон, Лесной ландшафт, 1660-е года

  • Альберт Бирштадт Долина Йосемити, 1866

  • Ван Гог, Луг в горах

Марина

Основная статья: Марина

Марина — жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид, а также сцену морского сражения или иные события, происходящие на море. Является разновидностью пейзажа. В качестве самостоятельного вида пейзажной живописи марина выделилась в начале XVII века в Голландии.

  • Эжен Делакруа, Море с высот Дьепа, 1852, Лувр

  • Томас Моран, Закат на море, 1906, Бруклинский музей

  • Уильям Тёрнер, Трафальгарская битва, 1822

  • Михаил Ткаченко, Бой брига «Меркурий» с турецкими кораблями 14 мая 1829 года, 1907

  • Нападение японцев на Порт-Артур, начало XX века

Историческая живопись

Основная статья: Историческая живопись

Истори́ческая жи́вопись — жанр живописи, берущий своё начало в эпоху Ренессанса и включающий в себя произведения не только на сюжеты реальных событий, но также мифологические, библейские и евангельские картины. Изображает важные для отдельного народа или всего человечества события прошлого.

  • Корнелис де Вос, Александр и Диоген

  • Доменико Беккафуми, Воздержание Сципиона Африканского, около 1525

  • Константин Флавицкий, княжна Тараканова, 1864

  • Фёдор Бронников, Пифагорейцы празднуют восход солнца, 1869

  • Франциско Прадилья, Крещение принца Хуана, сына Фердинанда и Изабеллы, 1910

Батальная живопись

Основная статья: Батальная живопись

Бата́льная живопись — жанр изобразительного искусства, посвящённый темам войны и военной жизни. Главное место в батальном жанре занимают сцены сухопутных, морских сражений и военных походов. Художник стремится запечатлеть особо важный или характерный момент битвы, показать героику войны, а часто и раскрыть исторический смысл военных событий.

  • Франсуа Эдуар Пико, Осада Кале, 1838

  • Неизвестный художник, сражение под Оршей

  • Юзеф Брандт, Битва под турецким флагом, 1905

  • Фрагмент Бородинской панорамы

  • Жан-Батист Дебре, Наполеон выступает перед баварскими войсками в Абенсберге 20 апреля 1809 года

Натюрморт

Основная статья: Натюрморт

Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. Зародился в 15 — 16 веках, но как самостоятельный жанр оформился только в 17 веке в творчестве голландских и фламандских художников. С тех пор является важным жанром в живописи, в том числе и в творчестве русских художников.

  • «Суета сует» или Vanitas ( лат. vanitas, букв. — «суета, тщеславие») — иногда выделяется, как отдельный жанр. Натюрморт- несущей мысль о конечности бытия, центром его композиции является череп. Был популярен Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.
  • Виллем Клас Хеда, Натюрморт, 1637

  • Давид Тенирс Младший, Натюрморт, 1645-50

  • Джон Консте́бл, Цветы в стеклянной вазе, 1814

  • Сезанн, Угол стола, 1895-1900

  • Зыгмунт Валишевский, Натюрморт, 1915

Жанровая живопись

Основная статья: Жанровая живопись

Жанровая живопись является частью бытового жанра в изобразительном искусстве. Бытовые сцены с древности были предметом живописи, однако как отдельный жанр жанровая живопись сложилась лишь в средневековье, получив особенно сильное развитие в эпоху социальных перемен Нового времени.

  • Бернардо Строцци, Кухарка, 1625

  • Габриель Метсю, продавец птиц, 1662

  • Ян Стен, 1665

  • Рудольф Эпп, Девушка за вязанием

Архитектурная живопись

Основная статья: Архитектурная живопись

Живопись, главной темой которой был не природный, а архитектурный ландшафт. Включает в себя не только изображение архитектурных сооружений, но и изображение интерьеров.

  • Ганс Вредеман де Врис «Architectural Landscape» 16 век. Эрмитаж

  • Франсуа де Номе Explosão de una Catedral

  • Луи Дагер Туман и снег, видимые сквозь разрушенную готическую колоннаду, 1826

  • Адольф Вегелин, 1845

  • Ван Гог Entrance Hall of Saint-Paul Hospital, 1889

Живопись на религиозные темы

Этот раздел статьи ещё не написан. Согласно замыслу одного или нескольких участников Википедии, на этом месте должен располагаться специальный раздел.
Вы можете помочь проекту, написав этот раздел. Эта отметка установлена 31 января 2017 года.

Анималистическая живопись

Основная статья: Анималистическая живопись

Анималистическая живопись — это живопись, главным сюжетом для которой является изображение животных.

  • Ким Хон До Тигр под сосной

  • Паулюс Поттер, 1649

  • Джордж Стаббс Спящий леопард, 1777

  • Мельхиор де Хондекутер, около 1680 Рейксмюзеум

  • Франц Марк, 1912

Декоративная живопись

Монументальная живопись — это часть монументального искусства, живопись на зданиях и сооружениях.

Театрально-декорационная живопись — это декорации и эскизы костюмов для театральных спектаклей и кинофильмов; наброски отдельных мизансцен.

Декоративная роспись — орнаментальные и сюжетные композиции, создаваемые средствами живописи на различных частях архитектурных сооружений, а также на изделиях декоративно-прикладного искусства.

  • Тулузская ратуша, потолок

  • Али Капи, дворец в Исфахане, Иран

  • Вилла в Боскореале, фреска

  • Герт Ньюхаус (англ.)русск., роспись на здании в Шарлоттенбурге

  • Майя Меландсо (англ.)русск., фрагмент

История развития декоративных картин: от древности до современности

Желание украсить свой дом человек испытывал испокон веков. Первые декоративные картины появились уже в Древней Греции. Они были написаны яркими красками, палитра которых сочеталась с еще одним старейшим украшением – тканым ковром. Древние греки, знатоки и ценители красоты, действительно знали толк в украшении жилища. Взять хотя бы тот факт, что греческие художники часто приглашались в Рим. Здесь они создавали оригинальные картины для интерьера знатных домов. Заметим, что в древние времена неотъемлемой деталью таких рисунков были изображения святых людей и священных мест. Типичный пример – живопись Византии в 4 столетии нашей эры.

Дальше – больше: картины для интерьера постепенно стали обязательным атрибутом знатных домов по всему миру. В 9 столетии нашей эры французы и фландрийцы украшали стены картинами-коврами (в то время они назывались «шпалеры»). Затем эту эстафету подхватили итальянцы: они стали преподносить ковры-картины в подарок друг другу в знак огромного уважения.

В середине 17 века знаменательным событием становится открытие в Париже мануфактуры, принадлежащей братьям по фамилии Гобелен. Эта мануфактура специализировалась на производстве ковровых картин для интерьера. Вскоре такое же производство открывается в Санкт-Петербурге. В 1717 году большинство богатых петербуржцев уже предпочитают приобрести гобелен, нежели купить картины на холсте, как это было раньше.

Что же до наших времен, то сейчас декор интерьера потрясает своим многообразием: это и традиционные рисунки на холсте, и изящные стеклянные и витражные картины, и даже картины на металле. А художественные приемы позволяют обыграть любую тематику в рамках картины – знаки зодиака, пейзажи, ретрофотографии, кадры из любимых фильмов (а для детских комнат – сценки из мультиков). Картину своей мечты сегодня найдет любой: от приверженца интерьерной классики до поклонника ультрамодного арт-деко.

А как сегодня создаются картины для интерьера?

К самым востребованным декоративным картинам современные дизайнеры интерьера относят:

1. Стеклянные картины. Применение этой техники создания интерьерного декора насчитывает 2000 лет. На сегодняшний день есть порядка 20 способов изготовления стеклянных картин. Искусный мастер способен сочетать разные виды стекла (цветное, узорчатое, прозрачное, матовое), чтобы в итоге получилось настоящее произведение искусства.

2. Витражные картины, составленные из кусочков стекла наподобие мозаики. Кроме мозаичной, есть и другие техники создания витражных картин, позволяющие получить не менее интересный фактурный рисунок.

3. Оригинальные картины на металле, создаваемые разными методами: аэрографией, ультрафиолетовой печатью, гравировкой, фотографической литографией. Несмотря на кажущуюся холодность материала-основы, картины на металле привносят в интерьер особый уют и теплоту.

4. Традиционные картины на холсте. Этот вид декоративных картин, написанных маслом, сохраняет свою популярность уже не один век. А все потому, что рельефный холст создает ощущение объемности рисунка. Вот почему фактурные, оригинальные картины на холсте хочется подолгу рассматривать.

Как вписать в интерьер декоративную картину?

Чтобы стеклянные, витражные и другие картины освежили интерьер и стали его органичной частью, профессионалы советуют соблюдать следующие правила выбора:

1. Гармоничность цвета. При выборе декоративной картины прежде всего отталкивайтесь от основной цветовой гаммы помещения. Скажем, если в комнате преобладают пастельные тона, можно купить картину на холсте, выполненную светлыми красками. А слишком темный интерьер с массивной мебелью сделают более изящным стеклянные или витражные картины из мозаики ярких оттенков: зеленого, красного, желтого, оранжевого.

2. Правильное освещение картины. Если днем комната хорошо освещается солнечным светом, а вечером – электрическим, в ней будет уместна фактически любая картина. Однако случается и так, что рисунок находится в затемненном углу, где его трудно рассмотреть. В этом случае лучший выход – купить картину на холсте или стеклянную картину вместе со специальным маленьким светильником.

3. Уместный размер картины. Здесь стоит исходить из площади помещения. Скажем, в небольшой тесноватой комнатке картина на металле во всю стену будет притягивать к себе слишком много внимания. Маленькую комнату, наоборот, нужно постараться визуально расширить. С этой задачей прекрасно справятся витражные или стеклянные картины: они как бы станут еще одним окном, в которое будет приятно посмотреть. Эффект от такой декоративной картины будет колоссальным, в комнате станет легче дышать. Если же габариты помещения, напротив, слишком велики, создать камерность и уют поможет крупная картина для интерьера или даже композиция из нескольких картин, перекликающихся по сюжету.

Кстати, о сюжете. Собираясь купить картины на холсте, металле или стекле, избегайте тяжелых для восприятия сюжетных линий, иначе из комнаты с таким декором будет хотеться поскорее выйти. Остановитесь на позитивном или по крайней мере нейтральном сюжете. Если вам трудно сделать выбор, предпочтите абстракцию: замечено, что абстрактные декоративные картины никогда не надоедают взгляду.

Над лестницей будет уместно изображение городского пейзажа. Что же до натюрмортов, то они отлично впишутся в обстановку кухни. Портреты и оригинальные картины в стиле ню подойдут для спальни.

Особенно внимательным к этим правилам стоит быть, если вы выбираете презент. Картина в подарок не должна стать лишней в обстановке дома ваших друзей, напротив, она обязана тонко и изящно дополнить интерьер.

Еще один совет: выбирая картину в подарок, обязательно вспомните о привычках, увлечениях и хобби виновника торжества. Например, беспроигрышные подарки для всех утонченных, романтичных натур – это картины, изображающие знаки зодиака. Если же ваши друзья равнодушны к астрологии, но, например, увлекаются историей оружия, выберите для них картину в подарок, изображающую батальную сцену. Такие произведения искусства можно разглядывать часами, выявляя новые нюансы. Ну а человеку деловому, нуждающемуся в хорошем отдыхе после напряженного рабочего дня, можно подарить картину, изображающую горный пейзаж, пруд или закат над океаном.

«МИР ВИТРАЖА»: декоративные картины на любой вкус

Создание оригинальных картин для интерьера – наша многолетняя специализация и любимое дело. В нашей мастерской изготавливаются:

— стеклянные и зеркальные картины;
— витражные картины;
— картины на металле;
— художественные произведения на холсте.

Оригинальные авторские изделия от «МИР ВИТРАЖА» успели завоевать искреннюю любовь наших соотечественников. Наша мастерская – то место, где к работе относятся с ответственностью, выполняют ее профессионально и с тонким художественным вкусом.
Сегодня в компании «МИР ВИТРАЖА» можно не только купить готовые картины на холсте, стекле или металле, но и заказать эксклюзивный проект для своего дома или офиса.

Leave a Comment